Warszawskie
Studio
Eksperymentu
Wszystkie wydarzenia odbywają się w Hashtag Lab, ul. Barska 29, Warszawa
kurator Marek Chołoniewski
występują
Chris Cutler
Marek Chołoniewski
Piotr Madej
Projekt FoMaTi
Kup bilet26 września 2023 | 20:00
Przestrzeń Muzyki Współczesnej Hashtag Lab ul. Barska 29.
Folded Maps of Time (FoMaTi) to immersyjna praca audiowizualna łącząca biosensoryczne systemy elektromagnetyczne (MC) ze zelektryfikowaną perkusją obiektową (CC). Publiczność będzie otoczona wielokanałowym systemem audiowizualnym, jakby znajdowała się we wnętrzu żywego organizmu czy wirtualnego mózgu, z rozlicznymi otworami wlotowymi i wylotowymi, kanałami i nieskończoną liczbą chaotycznych powiązań: to właśnie są nasze złożone mapy czasu; przepływ niepewnych wspomnień, ich nieustający strumień. Aktywność mózgu będzie rzutowana na wirtualny model unoszący się w kolażu grafik, zdjęć, czarnobiałych filmów i obrazów powstałych w czasie rzeczywistym, zarówno w makro-, jak i mikroskali. Wielokanałowa projekcja dźwięku wyznaczy analogowy mózg wewnętrzny stanowiący jeden z trzonów zespołu instrumentów, jako że biologiczne sprzężenie zwrotne (biofeedback) odgrywa ważną rolę na każdym poziomie występu: wybrane fale mózgowe (delta, theta, alfa, beta, gamma, medytacja, uwaga, dane surowe) są wykorzystywane zarówno jako czytniki, jak i procesory zachowania artystów, pośrednicząc między nieświadomym a intuicyjną selekcją gotowych, uprzednio skomponowanych i wykonanych materiałów. W opozycji do intuicji stoi celowość – podczas gdy dźwięki i obrazy kierowane falami mózgowymi poddawane są interpretacji i są splatane w czasie rzeczywistym ze świadomie wytwarzanymi dźwiękami przez drugiego wykonawcę za pomocą elektronicznie podkręconej i uprzestrzennionej perkusji – całość organicznie, czy może wręcz odwrotnie, sprzęża się z monitorowanym stanem umysłu pierwszego wykonawcy.
Tym samym, mózgowe sprzężenie zwrotne będzie zwielokrotnione i przedłużone w trwaniu poprzez mieszankę świadomych i nieświadomych sprzężeń zwrotnych, wywołując kaskadowe reakcje u obu wykonawców. Praca jest wynikiem wyjątkowej współpracy między polskim artystą i kompozytorem Markiem Chołoniewskim a brytyjskim perkusistą i kompozytorem Chrisem Cutlerem, łącząc dokonania dźwiękowe i audiowizualne Chołoniewskiego w zakresie występów elektroakustycznych z doświadczeniem tworzenia awangardowych prac czerpiących z różnych gatunków z użyciem udoskonalonych instrumentów i technik Cutlera.
FoMaTi zostało wyprodukowane w ramach projektu +100. Trzy dzieła roztaczające wizje nowej awangardy, będącego częścią programu Polska 100 – projektu Instytutu Adama Mickiewicza odpowiadającego za program międzynarodowych obchodów stulecia niepodległości Polski. +100 powołał do życia Roderick Coover – dyrektor artystyczny projektu. Projekt powstawał pod instytucjonalnym kierownictwem Anny Szylar z Instytutu Adama Mickiewicza.
Marek Chołoniewski to kompozytor, artysta dźwiękowy, performer i wykładowca, kierownik Studia Muzyki Elektroakustycznej Akademii Muzycznej w Krakowie, założyciel Stowarzyszenia Artystycznego Muzyka Centrum oraz Polskiego Stowarzyszenia Muzyki Elektroakustycznej. Od 2011 Prezes Międzynarodowej Konfederacji Muzyki Elektroakustycznej. Inicjator i dyrektor Festiwalu Audio Art. Założyciel i współtwórca wielu zespołów, m.in. Pociąg Towarowy, ch&k&k, dizzy kinetics. Jest autorem wielu projektów artystycznych, kompozycji instrumentalnych, elektroakustycznych, instalacji dźwiękowych i wideo, projektów interaktywnych, przestrzennych, audiowizualnych i sieciowych. Otrzymał Nagrodę Honorową Związku Kompozytorów Polskich oraz Nagrodę Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, a także Independent Project grant of the CEC ArtsLink w Nowym Jorku.
fot. Klaudyna Schubert
Folded Maps of Time Performance by Marek Chołoniewski & Chris Cutler
Chris Cutler - przez ponad dekadę członek brytyjskiej grupy eksperymentalnej Henry Cow, twórca bądź współtwórca szeregu międzynarodowych grup takich jak Art Bears, News from Babel, Cassiber, The (ec) Nudes, p53, oraz The Science Group, były członek amerykańskich zespołów Pere Ubu, Hail i The Wooden Birds. Pracował przy projektach tanecznych, filmowych, teatralnych i radiowych, słuchowiskach, współpracował z orkiestrami symfonicznymi, zjechał świat jako solista ze swoim zelektryfikowanym zestawem perkusyjnym, występując w rozmaitych środowiskach jako członek międzynarodowej społeczności muzyków improwizujących. Między 2003 a 2004 rokiem prowadził roczny projekt dźwiękowy dla radia Resonance FM. Założyciel i dyrektor niezależnej wytwórni ReR Megacorp, autor książki z teorii muzyki O muzyce popularnej, jak również rozlicznych artykułów i prac, opublikowanych w 16 językach. Były wykładowca bostońskiej Museum School, okazjonalny wykładowca z zakresu teorii muzyki uczelni z całego świata. Obecnie pracuje nad cyklem comiesięcznych wykładów radiowych dla Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Barcelonie.
fot. Henryk Silhouette
Piotr Madej - artysta mediów, kompozytor i realizator dźwięku, członek Polskiego Stowarzyszenia Muzyki Elektroakustycznej, członek artystycznego kolektywu naukowo-badawczego GrupLab, podwójny stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w latach 2017 i 2019, związany z fesPwalem Audio Art FesPval, galerią APTEKA Janicki Gallery, współpracuje także z Kraków Film Klaster oraz fesPwalem EPuda & Anima. Ukończył kierunek Intermedia na Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie, obecnie studiuje w Szkole Doktorskiej na ASP w Krakowie. Pracuje jako asystent w pracowni Audiosfery na Wydziale Intermediów, prowadzonej przez prof. dr hab. Marka Chołoniewskiego.
fot. Beata Madej
kurator Adam Radź
występują
Rie Nakajima
Graham Lambkin
11 października 2023 | 20:00
Przestrzeń Muzyki Współczesnej Hashtag Lab ul. Barska 29.
Sytuacyjne, ‚site-specific’ podejście do dźwięku adresujące przestrzeń i okoliczności. Zaproszeni goście to brytyjski artysta multidyscyplinarny, Graham Lambkin oraz łącząca architekturę i dźwięk japońska rzeźbiarka, Rie Nakajima. Oboje w swojej twórczości zachowują otwartość na przypadkowość oraz wpływy osób trzecich, przez co wykreowana sytuacja dźwiękowa zachowuje swój organiczny, ludzki współczynnik; naturalność wydarzania się i prezentowana praca nie jest zimnym, wystawionym produktem galeryjnym/koncertowym, lecz żywą, nieprzewidywalną sytuacją dźwiękową, w której ingerencje przestrzenne oraz dźwięki osób trzecich jej nie wykluczają, lecz wzbogacają. Graham Lambkin w swojej muzycznej praktyce wykorzystuje transformacyjne eksperymenty na fortepianie i innych akustycznych instrumentach oraz elektroakustyczne kolaże dźwiękowe z nagrań terenowych, dialogów oraz odgłosów codzienności. Wszystko razem tworzy spoistą i niezwykle intymną, wręcz nawiedzoną przestrzeń soniczną. Rie Nakajima w swoich instalacjach i performensach koresponduje i reaguje na fizyczność przestrzeni, używając do tego połączenia przypadkowo znalezionych przedmiotów ze zmechanizowanymi urządzeniami. Oba te akty skupią się na akustyce przestrzeni, sprowadzając ją do wrażenia nadwyraz fizycznej, osobliwej konfrontacji z dźwiękiem utrzymując zarazem nie nadużywającą technologii, człowieczą perspektywę procesu twórczego.
Adam Radź - kurator nomadycznego cyklu koncertów sonic-fiction, prezenter radiowy, entuzjasta całodniowych spacerów, nagrań terenowych, dźwiękowy kolażysta, okazjonalny performer. Jego audycja sonic-fiction wybrzmiewa na falach warszawskiego Radia Kapitał od początku jego istnienia, ma też za sobą rezydencje we francuskim LYL Radio (2023) oraz czeskim Radio Punctum (2022). Żyje w ciągłej podróży, a poza polskimi festiwalami, cyklami wydarzeń na które był zapraszany oraz tymi które sam prowadził, przy okazji zagranicznych pobytów występował też w Norwegii, Portugalii, Czeskiej Republice, Niemczech, Holandii. Od lat związany z poznańskimi Farbami, bydgoskim Mózgiem oraz Sokołowskiem.
Rie Nakajima jest rzeźbiarką mieszkającą w Londynie. Pracowała nad tworzeniem instalacji i performansów, reagując na fizyczne charaktery przestrzeni za pomocą kombinacji zmotoryzowanych urządzeń i znalezionych przedmiotów. Łącząc rzeźbę i dźwięk, jej praktyka artystyczna jest otwarta na przypadek i wpływ innych. Wystawiała i występowała na całym świecie. Jej pierwsza duża wystawa indywidualna miała miejsce w IKON Gallery w Birmingham w 2018 roku. Współpracowała także z Museo Vostell Malpartida (Cáceres), Tate Modern (Londyn), Serralves Museum (Porto), ShugoArts (Tokio), Hara Museum (Tokio), The Wattis (San Francisco) i Cafe OTO (Londyn). Jej częstymi współpracownikami są między innymi David Cunningham, Keiko Yamamoto, Pierre Berthet, Marie Roux, Billy Steiger, David Toop, Akira Sakata.
fot. Hana Knizova
Six Cans, 4'09" by Rie Nakajima
Graham Lambkin (ur. 1973) jest multidyscyplinarnym artystą i wydawcą mieszkającym w Londynie, którego prace obejmują aspekty: audio-wizualne i tekstowe. Lambkin był członkiem-założycielem przełomowej angielskiej grupy undergroundowej “The Shadow Ring”, która w latach 1992-2002 badała możliwości łączenia amatorskiej muzyki ludowej, elektroniki i surrealistycznej gry słownej w unikalną i niepokojącą hybrydę, która robi wrażenie we współczesnych czasach. Po rozwiązaniu The Shadow Ring Lambkin rozpoczął serię uznanych przez krytyków nagrań solowych, w tym Salmon Run (2007), Amateur Doubles (2011) i Community (2016), a także serię wspólnych projektów z takimi artystami jak Joe McPhee, Keith Rowe, Moniek Darge, Michael Pisaro i Áine O'Dwyer. Lambkin był także założycielem wytwórni Kye, która w latach 2001-2016 wydała ponad 60 nowych utworów audio takich artystów jak Philip Corner, Gabi Losoncy, Vanessa Rossetto i Malcolm Goldstein, a także znaczące kolekcje archiwalne autorstwa Antona Heyboera, Mońka Darge, Joe McPhee i Henninga Christiansena. Jako performer Lambkin występował na arenie międzynarodowej, prezentując prace w takich miejscach jak The Whitney Museum of American Art, NY, The Kitchen, NY, New Museum Brooklyn, NY, CALarts, CA, Sibelius Museum, Turku, ICA. Londyn, Cafe OTO, Londyn, Arts Centre, Melbourne i Fylkingen, Sztokholm.
kuratorka Anna Jędrzejewska
występują
Sofia Borges
Katarzyna Markowska
Anna Jędrzejewska
8 listopada 2023 | 20:00
Przestrzeń Muzyki Współczesnej Hashtag Lab ul. Barska 29.
Jako kuratorka chcę zapraszać do współpracy i eksperymentowania artystki zainteresowane demontowaniem wizji muzyki absolutnej, co rozumiem jako poszukiwanie otwartego paradygmatu wartości. Teorie dotyczące procesu tworzenia się wiązań, teoria aktora-sieci Latoura, rezonują z formułą performatywną, techniką improwizacji i przetwarzaniem elektronicznym dźwięku.
W projekcie „Puls życia” artystki znajdują się w dwóch symetrycznych krańcach sali z postacią performerki w centrum. Proces pozyskiwania dźwięków z akcji ruchowej i improwizacja oparta na tym wzorze to główna oś prezentacji.
Anna Jędrzejewska
Kompozytorka, pianistka, artystka interdyscyplinarna, improwizatorka, reżyserka, montażystka filmowa. Anna Jędrzejewska jest autorką i brała udział w projektach takich jak instalacje i performanse multimedialne w kraju i za granicą, studiowała kompozycję u Bogusława Schaeffera w Krakowie oraz rzeźby multimedialnej u Antoniego Porczaka. Posiada doświadczenie w wykonywaniu kompozycji współczesnej oraz improwizacji fortepianowej. Swoje umiejętności doskonaliła na kursach muzycznych w Darmstadt, Stuttgarcie i Krakowie oraz u profesorów Adama Kaczyńskiego, Krystyny Moszumańskiej-Nazar i Marka Chołoniewskiego. Anna organizowała festiwale sztuki intuicyjnej Fortalicje i Intuitiva, współorganizowała Konferencję Nowej Sztuki oraz festiwale Supersam Plus 1 i Mózg Festival. W duecie Salulu stworzyła Video Score i Energetic Resonance – improwizowane projekty operowe z pogranicza wideo, elektroniki i improwizacji, prezentowane m.in. na festiwalu Darmstädter Ferienkurse i Warszawska Jesień. Prowadzi również warsztaty i współorganizuje Intuicyjną Konferencję Muzyczną poświęconą performansowi, partyturze graficznej, tańcowi i multidyscyplinarnej improwizacji. Sztuka Jędrzejewskiej opiera się na improwizacji zakorzenionej w klasycznych dziełach sztuki europejskiej XX wieku i łączy muzykę, multimedia i elektronikę. Osią jej badań jest nieadekwatność notacji muzycznej do potrzeb muzyki intuicyjnej oraz wykorzystanie nośnika wideo jako partytury. Bieżące projekty, jak Suparastral, Umbra, Hybrid czy Somatic recycling, to improwizowane performance muzyczne posługujące się elektroniką i przetworzeniami, w instalacji video.
fot. Małgorzata Kaznowska
Katarzyna Markowska - aktorka teatru ruchu, performerka oraz nauczycielka ha-tha jogi. Stypendystka na Exeter University w UK (Wydział Dramy Stosowanej). W latach 2005-2010 kształciła się w Studiu Pantomimy w Teatrze na Woli i występowała w Teatrze Mimo. Wielką inspiracją w jej rozwoju było spotkanie z Wrocławskim Teatrem Pantomimy i jego aktorami. Pomysłodawczyni i fundatorka Fundacji Sztuka Ciała (2009). FSC realizuje różnorodne wydarzenia (spektakle, happeningi, warsztaty) gdzie głównym środkiem ekspresji jest ruch. Widzami są zarówno osoby dorosłe ("Kobieta Kalendarz", "Rój", "Odklejanie") jak i dzieci ("Ważne Sprawy", "Star, Wars i Sawa", "Pięciu Nieudanych"). Współpracowała także z Fundacją Drama Way realizując projekty że społecznością lokalną, z Centrum Praw Kobiet współtworząc teatr terapeutyczny, z Fundacją Muzyka jest dla Wszystkich prowadząc warsztaty w ramach Akcji Labirynt. Od 2020 roku we współpracy z Anną Jędrzejewską współtworzyła projekt „Korposzamanizm” i „Hybrid”. Obecnie realizuje w Warszawie projekt dotyczący roślin i ich powiązań z człowiekiem.
fot. Małgorzata Kaznowska
Audio Stage 2020 - Korposzamanizm
Perkusistka Sofia Borges wybrała ryzykowną, ale stymulującą drogę: eksperymentować, eksplorować i poszerzać możliwości języka artystycznego (zarówno improwizowanego, jak komponowanego przez siebie, z graficznymi notacjami rozszerzającymi konwencjonalny zapis) a wyniki jej pracy pokazują, że sztuka dźwiękowa jeszcze nie umarła. Sofia działa na dwa sposoby. Jednym z nich jest format solowy – dodawanie przedmiotów, częściowo własnego pomysłu, pozytywek i zabawek do zestawu perkusyjnego jazzowego i orkiestrowych instrumentów perkusyjnych, a także analogowych i cyfrowych urządzeń elektronicznych umożliwiających przetwarzanie w czasie rzeczywistym jej konstrukcji akustycznych , w tym w miksie spora liczba nagrań terenowych. Innym jest współpraca z najbardziej niezwykłymi spontanicznymi twórcami noise naszych czasów, takimi jak Craig Taborn, Mat Maneri, Axel Dörner, Robyn Schulkowsky, Ignaz Schick, Ryeko Okuda, Sanem Kalfa, Michael Thieke, Cansu Tanrikulu, Chris Pitsiokos i Nick Dunston, by wymienić tylko kilka, i integrując zespoły, takie jak SORBD i SLOTSCH. Dla mieszkającej w Berlinie, ale urodzonej w Portugalii twórczyni dźwięku scena jest naturalnym środowiskiem, ustanawiając w niej muzykę jako kolejną ze sztuk performatywnych. W tym kontekście nie dziwi fakt, że Sofię Borges odnajdujemy w projektach tanecznych i teatralnych, współpracując z Meg Stuart, Alexis Blake czy kolektywem Sounding Situations. Nie widać końca jej badawczego podejścia do gry z czasem i przestrzenią, i to jest kluczowy sekret jej rosnącej sławy na arenie międzynarodowej.
fot. Sergei Gavrylov
KONCERT SPECJALNY ZDZISŁAW PIERNIK & SŁAWEK JANICKI w kompozycji Bogusława Schaeffera PROJEKT
kurator Qba Janicki
występują
Rafał Ryterski
Cosmodernism
Qba Janicki
Projekt Sonokinetic Cosmodernism
Kup bilet13 grudnia 2023 | 20:00
Przestrzeń Muzyki Współczesnej Hashtag Lab ul. Barska 29.
Sonokinetic Cosmodernism
Głównym zamysłem projektu Sonokinetic jest wykorzystanie ruchu źródła dźwięku w przestrzeni jako zabiegu wykonawczego i kompozytorskiego. Zamysł ten uzyskany jest poprzez wykorzystanie wielokanałowego, mobilnego systemu dźwiękowego wykorzystującego domyślnie dowolną liczbę głośników przenośnych, które to docelowo mają znaleźć się w dyspozycji publiczności i zmieniać swoje położenie w przestrzeni w trakcie trwania występu. Dystrybucja sygnału audio w ramach wspomnianego systemu odbywa się przy pomocy dedykowanego oprogramowania służącego do jego obsługi, na którym to finalnie wykonany zostaje improwizowany utwór na perkusję amplifikowaną oraz elektronikę z czynnym udziałem publiczności. Połączenie tych elementów pozwala na stworzenie wielowarstwowej, ruchomej rzeźby sonicznej, której finalny kształt jest wypadkową dźwięków generowanych przez solistę, przetworzeń tych dźwięków zastosowanych przez programistę obsługującego system dźwiękowy oraz zachowań publiczności względem instrukcji wykonawczych, które są przedstawiane obecnym na sali odbiorcom/wykonawcom kompozycji. Sonokinetic jest projektem zainicjowanym w roku 2020 przez Qbę Janickiego w ramach stypendium artystycznego Miasta Stołecznego Warszawy, do którego realizacji zaprosił programistę oraz kompozytora Rafała Ryterskiego. Z uwagi na pandemię COVID-19 projekt Sonokinetic nigdy nie doczekał się swojej premiery, a więc jego prezentacja w ramach Warszawskiego Studia Eksperymentu odbędzie się po raz pierwszy. Głównym źródłem dźwięku prezentowanego na systemie Sonokinetic będzie perkusja amplifikowana mikrofonami kontaktowymi, deska dźwięków oraz zestaw analogowych instrumentów elektronicznych.
Na potrzeby Warszawskiego Studia Eksperymentu projekt Sonokinetic został rozwinięty także o warstwę wizualną w wykonaniu Kamila Czapigi, występującego pod pseudonimem Cosmodernism. Artysta ten zajmuję się tworzeniem żywych wizualizacji wykorzystując mikroskop oraz inne odmiany precyzyjnej optyki do amplifikacji wizualnej reakcji fizycznych i chemicznych zachodzących przy łączeniu szerokiej gamy barwników, cieczy i obiektów. Swój style określa mianem mikrochemicznego futuryzmu, którego efekty powstają w wyniku eksperymentowania z wyżej wspomnianymi elementami w najbardziej pierwotny sposób tj. metodą prób i błędów.
Podczas dwudniowego spotkania artyści połączą ze sobą wszystkie wyżej wspomniane elementy doprowadzając do powstania zaawansowanego organizmu audiowizualnego, a także przybliżą funkcjonowanie swoich narzędzi i zastosowanych technik.
Qba Janicki – ur. 6 lutego 1989 w Bydgoszczy. Wyrastający ze środowiska artystycznego zgromadzonego wokół słynnego klubu MÓZG. W ciągu ostatnich 17 lat zagrał setki koncertów, na których występował m.in. z takimi artystami jak Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Roscoe Mitchell, Tomasz Sroczyński, Toshinori Kondo, Peter Brotzmann, Mats Gustafson czy Fred Frith. Przez ponad dekadę współtwórca grupy Wojtek Mazolewski Quintet. Aktualnie zajmuje się pracą solową oraz w zespołach Malediwy z Markiem Pospieszalskim, T’ien Lai z Jakubem Ziołkiem i Łukaszem Jędrzejczakiem oraz w Marek Pospieszalski Octet czy Trio de Janeiro. Oprócz gry na instrumentach, tworzy także muzykę teatralną współpracując z Krzysztofem Garbaczewskim, Maciejem Podstawnym, Pawłem Łysakiem, Arturem Pałygą czy Grzegorzem Jaremko. Zaznaczył również swoją obecność na scenie hip hopowej produkując płytę HORE, legendarnego rapera VIENIA. Dodatkowo, jako wiceprezes MÓZG FOUNDATION oraz Stowarzyszenia Grupa Sokołowska, współpracuje przy organizacji projektów kulturalnych i działań społecznych w Bydgoszczy, Warszawie i Sokołowsku. Od roku 2020 prowadzi również swoją autorską audycję ”WARSTWY” dla Radia Kapitał.
Rafał Ryterski
Kompozytor, aktywista, artysta multimediów (instalacje, sound design). Urodzony w 1992 roku w Gdyni. Synteza różnych gatunków muzycznych jest cechą charakterystyczną jego twórczości, a sam Ryterski nazywa tę praktyką genrebendingiem. Jego sztuka tematycznie oscyluje wokół pojęcia tożsamości, kultury queerowej oraz obnażaniu mechanizmów przemocowych. Muzyka Ryterskiego jest bardzo bogata w odniesienia oraz treści pozamuzyczne, co czyni ją sztuką intertekstualną i pozwala kompozytorowi podejmować dyskurs dotyczący interesujących go tematów. Ryterski jest zwolennikiem używania mediów elektronicznych oraz cyfrowych w swojej twórczości, co - poprzez niekiedy ekstremalne przetwarzanie treści - daje mu możliwość poszukiwania nowych tożsamości dla instrumentów akustycznych, wykonawców czy nawet przestrzeni. W roku 2021 był nominowany do Paszportu Polityki w kategorii muzyka poważna za konsekwentne wprowadzanie wątków LGBTQ do polskiej muzyki współczesnej.
Cosmodernism to jednoosobowy intermedialny projekt artystyczny, który powstał w 2019 roku w Katowicach. Zawiera on w sobie zarówno szeroko rozumiany abstrakcyjny video art i fotografię, jak i autorski sound design oraz działania eksperymentalne i performatywne. Głównym założeniem projektu jest poszukiwanie abstrakcyjnej ekspresji, poprzez zgłębianie tajników mikro i makro obserwacji w połączeniu ze specjalnie skomponowanymi pejzażami dźwiękowymi własnej produkcji. Jako budulec moich filmów często wykorzystuję różnego rodzaju substancje chemiczne, barwniki, obiekty, ciekawe reakcje, zarówno ze świata chemii i fizyki.
Do kreowania i obserwacji swoich kompozycji używam mikroskopu oraz innej precyzyjnej optyki w połączeniu z kamerą, którą wykorzystuję do rejestrowania obrazu w różnego rodzaju autorskich mikro-planach filmowych, opartych na własnej produkcji mechanizmach i systemach oświetlenia. Staram się cały czas poszukiwać nowych dla mnie metod obserwacji, które dadzą mi szersze możliwości pokazania świata w mikroskali i nie tylko.
Jako że nie posiadam żadnego naukowego zaplecza to moje poczynania opierają się głównie na empirycznych doświadczeniach i metodzie prób i błędów - co postrzegam jako istotną część mojego projektu. Pomimo tego, że wiele ujęć, które można zobaczyć w moim portfolio, sprawia wrażenie wygenerowanych komputerowo, to jednak nie zostały one stworzone przy użyciu CGI i technik cyfrowych. To wszystko prawdziwe obiekty w nierealnej perspektywie. Science fiction ale bez fiction. Mikrochemiczny retrofuturyzm
Nazywam się Kamil Czapiga, urodziłem się in 1991 roku w Katowicach w Polsce, gdzie nadal mieszkam i tworzę. Moja kreatywna przygoda zaczęła się już w wieku młodzieńczym, gdy moi rodzice wysłali mnie do lokalnej szkoły plastycznej, pomimo że nie uważałem tego wtedy za najlepszy pomysł. Kilka lat później, już bez oporów, kontynuowałem swoją edukację artystyczną na Akademii Sztuk Pięknych w moim mieście, gdzie studiowałem na kierunku Projektowania Graficznego, a dyplom licencjacki obroniłem w 2012 roku pracowni ilustracji. Podczas studiów rozpocząłem swoją karierę jako ilustrator i tatuator. Przez kolejne 11 lat prowadziłem swoją prywatną pracownię tatuażu, gdzie wykonywałem swoje autorskie projekty dla klientów zarówno z Polski jak i zagranicy. W kwietniu 2023 roku, z racji na nieoczekiwane przyspieszenie rozwoju mojego pobocznego projektu mikroskopowego, podjąłem decyzję o całkowitym zakończeniu mojej kariery w branży tatuatorskiej i skupieniu się wyłącznie na projekcie Cosmodernism, który jest aktualnie moją główną platformą pracy i kierunkiem działań kreatywnych.
Koncert specjalny Zdzisław Piernik & Sławek Janicki
w kompozycji Bogusława Schaeffera PROJEKT
Podczas grudniowej odsłony projektu Warszawskie Studio Eksperynemtu zaplanowany jest koncert specjalny w wykonaniu tubisty, Zdzisława Piernika oraz kontrabasisty, Sławka Janickiego, którzy współpracują ze sobą od ponad dwóch dekad. Jednym z utworów realizowanych przez ten duet jest kompozycja Bogusława Schaeffera, zatytułowana “Projekt”, której składową jest warstwa z “taśmy”, nagrana 07 marca 1976 roku w Studiu Eksperymentalnym Polskiego Radia w Warszawie. Nagranie taśmy zrealizował Bohdan Mazurek.
Sławek Janicki - muzyk, filmowiec, kreator działań artystycznych, działalność rozpoczął w połowie lat 80 ubiegłego wieku, będąc częścią ruchów artystycznych aktywnych pomiędzy Gdańskiem i Bydgoszczą. Współtworzył tzw Scenę Yassową, której siedzibą był legendarny, powstały w 1994 roku, klub Mózg w Bydgoszczy, do dziś prowadzony przez Janickiego.
Od ponad 30 lat czynnie (ale bez napięcia) działa na międzynarodowej scenie muzyki improwizowanej koncertując w Europie i Australii. Jako muzyk pozostaje całkowicie oddany improwizacji absolutnej jako najczystszej formie tworzenia muzyki. Występował z trudną do policzenia ilością artystów polskiej i międzynarodowej sceny impowizatorów. Zarejestrował nagrania z następującymi muzykami: R. Mitchell, P. Brotzmann, M. Feldman, S. Namtchylak, N. de Heney, J. Mazzoll, K. Uchihashi, N. Hein, S. Couvoisier, Q. Janicki, F. Frith, T. Kondo, T. Gwinciński, J. Buhl, K. Staszewski, J. Zdunek, M. Zieliński, Ł. Jędrzejczak, A. Maćkowiak, Z. Piernik.
Zdzisław Piernik występuje na estradach całego świata (m.in. w Niemczech, Austrii, Belgii, Holandii, Wielkiej Brytanii, Francji, Portugalii, Szwecji, Japonii, Meksyku oraz Stanach Zjednoczonych), gdzie ceniony jest za oryginalność i siłę wyrazu. Dokonał wielu nagrań jako solista, z towarzyszeniem fortepianu, a także z orkiestrami symfonicznymi dla takich wytwórni fonograficznych, jak Polskie Nagrania, Pro-Viva, Sonoton. Ma w swoim dorobku także nagrania radiowe w Niemczech, Belgii, Francji, Szwecji, Wielkiej Brytanii oraz rejestracje telewizyjne w Monachium i Londynie.
Jako solista wziął udział w kilkuset koncertach symfonicznych oraz kameralnych. Ma bardzo różnorodny repertuar koncertowy, od własnych transkrypcji dzieł dawnych mistrzów po najnowsze zdobycze muzyki współczesnej. Jako pierwszy tubista w Polsce wprowadził do swojej gry flażolety, glissanda, frullato, wielodźwięki. Swój instrument preparował wbudowując w tubę dźwięczniki od trąbki, saksofonu i puzonu, używając ustników od fagotu i saksofonu oraz różnego rodzaju tłumików.
Po kilkuletniej przerwie w wykonywaniu muzyki współczesnej powrócił na scenę, współpracując również z młodszym pokoleniem muzyków improwizujących, między innymi ze Sławkiem Janickim (kontrabas), Michałem Górczyńskim (klarnet) i Andrzejem Izdebskim (gitara).
O projekcie
Projekt Warszawskie Studio Eksperymentu polega na stworzeniu i przeprowadzeniu serii regularnych wydarzeń na terenie miasta, których celem głównym jest zbudowanie platformy do nowatorskich i bezkompromisowych działań twórczych, niezależnych od uwarunkowań finansowych i koniunkturalnych.
W ramach projektu realizowane będą działania dźwiękowe/muzyczne nie posiadające ograniczeń stylistycznych oraz działania interdyscyplinarne, w których dźwięk odgrywa kluczową rolę. Tegoroczne, pierwsze, Warszawskie Studio Eksperymentu (WSE) odbędzie się w niedawno powstałej przestrzeni Hashtag Lab przy ul. Barskiej 29.
Program WSE stworzony jest w następujący sposób: Autor projektu Sławek Janicki zaprosił do współpracy czwórkę kuratorów, są nimi: Anna Jędrzejewska, Marek Chołoniewski, Adam Radź, Qba Janicki.
Kuratorzy budują 4 dwudniowe wydarzenia, do których zapraszają artystów lokalnych i zagranicznych. Artyści pod okiem kuratora tworzą nowe, interdyscyplinarne, dzieło. Praca artystów jest dokumentowana audiowizualnie, po każdym spotkaniu powstaje film przybliżający postacie artystów i pokazujący proces tworzenia.
Drugiego dnia, każdej części projektu, następuje publiczna prezentacja powstałego dzieła. 4 części tegorocznego projekt zaplanowane są na: 25, 26 września, 10, 11 października, 7, 8 listopada, 12, 13 grudnia. Podczas grudniowej odsłony projektu zaplanowany jest koncert specjalny w wykonaniu tubisty, Zdzisława Piernika oraz kontrabasisty, Sławka Janickiego, którzy współpracują ze sobą od ponad dwóch dekadd. Jednym z utworów realizowanych przez ten duet jest kompozycja Bogusława Schaeffera, zatytułowany “Projekt”, której składową jest warstwa z “taśmy”, nagrana w roku 1970 w Studiu Eksperymentalnym Polskiego Radia.
Podczas realizacji zadania w sali koncertowej Hashtag Lab zapewniony zostanie dostęp dla osób ze szczególnymi potrzebami - podjazd dla osób poruszających się na wózkach inwalidzkich. Wnioskodawca oferuje także dostęp alternatywny dla osób ze szczególnymi potrzebami, w tym także seniorom czy kobietom w ciąży, aby umożliwić im bezpieczne dotarcie na miejsce wydarzenia. Oferowane jest także wsparcie innej osoby – wolontariusza lub pracownika instytucji.
Wewnątrz znajduje się rozkład pomieszczeń oraz dodatkowo przewidujemy udzielanie tej informacji w sposób głosowy przez obsługę sali koncertowej. Wszystkie pomieszczenia są dostępne dla osób niepełnosprawnych ruchowo. Przewidujemy możliwość wchodzenia na salę koncertową wraz z psami asystującymi. W przypadku osób ze szczególnymi potrzebami, w tym niepełnosprawnościami ruchu, wzroku i słuchu, procedury ewakuacyjne uwzględniają takie osoby poprzez zapewnionego asystę osoby przeznaczonej do pomocy w takich okolicznościach.
Kontakt
Kurator główny projektuSławek Janicki
fundacja@mozg.art.pl | 661574508
Koordynator projektuQba Janicki
Joanna Bagnucka - design